Llevaba días pensando en publicar una entrada de Beck pero...
Lo siento, pero no he podido comprobar ni la fecha ni dónde está incluido este tema.
Como he dicho antes, llevaba un tiempo con la idea de comentar una canción de Beck pero por casualidad, me he encontrado con esta curiosidad y, para mí, rareza.
Se trata de una versión de Sound and Vision de Bowie, que está en un proyecto llamado Beck 360 del que no sé nada, a la que hay que darle una, o dos, o más escuchas.
Sólo puedo decir que esta versión dura más de 9 minutos, que tocan más de 170 músicos y, muy muy importante, hay que escucharla con auriculares (te aseguro que te sorprenderá)
Y es que sólo por eso merece la pena oírla. En la próxima entrada comentaré el tema de Beck que quería poner hoy ;)
Canción incluida en el disco Barret, publicado en 1970.
Hace tiempo, en una de las primeras entradas que publiqué en este blog, más exactamente la de Pink Floyd, os prometí que publicaría una de Syd Barret. He tardado casi un año en decidir cual y la elegida ha sido Dominoes
Una canción triste, acogedora, turbadora e inquietante. Todo esto es para mí Dominoes. La letra compuesta por Syd en un estado mental penoso, la música relajada sin grandes arreglos, excepto el órgano de su antiguo compañero en Pink Floyd, Richard Wright y una guitarra eléctrica, que hace de solista, y que se grabó al revés en una sola toma. La voz, que en vez de cantar, parece que sólo está narrando una historia.
Me parece curioso que la producción del disco esté a cargo de dos componentes de Pink Floyd: David Guilmour y el anteriormente mencionado Richard Wright, que a su vez fueron los músicos del disco Barret, cuando poco tiempo antes fueron ellos, junto con el resto de componentes del grupo, los que se vieron obligados a seguir sin Syd debido a sus problemas mentales. Aunque para ser justos, Richard y más especialmente David, fueron los que más se preocuparon por el estado de Syd hasta su muerte.
Ayer la oí en el trabajo y enseguida supe que ésta tenía que ser la siguiente entrada.
Corte extraído del doble LP Jesucristo Superstar, publicado en 1975.
Antes de empezar con la disección he de decir que he estado dudando entre poner la versión de estudio por la calidad en el sonido, pero me he decidido por ésta por la espectacularidad de la actuación de Camilo Sesto.
Ésta es una de las canciones que, por mucho que la escuche, nunca deja de ponerme los pelos de punta y emocionarme.
Yo definiría Getsemaní como un tema de rock progresivo dentro de la ópera rock que es Jesucristo Superstar.
Podría destacar mil cosas de la música, como el uso de una sección de vientos muy buena, el sonido de la batería, que me encanta (aparte del ritmo setentero) o el sintetizador, que cuando lo escuché, de golpe me llegó la imagen de Triana y su tema En el Lago.
Pero lo realmente importante e impactante es la voz de Camilo Sesto y esos gritos en falsete que mete a lo largo de la canción. La sensación que tengo es que su voz se come al resto de instrumentos, y que éstos son meros acompañantes del cantante. Pero es que estamos ante el que es, para mí, el mejor Camilo de su carrera, y por qué no, el mejor cantante solista de la época.
Ésta es una de las canciones más tiernas que jamás he oido.
Tema publicado dentro del disco Transformer en el año 1972.
Aunque el disco Transformer tiene varios éxitos como Vivious, Satellite of Love o la archiconocida (y también manida) Walk on the Wild Side, la canción perfecta en este disco es Perfect Day.
En Perfect Day, Lou Reed crea un ambiente íntimo y romántico con el piano como base principal, una batería muy sutil y sin adornos innecesarios con un sonido apagado muy típico del glam, y los arreglos de cuerda que tanto me gustan, para que a la canción ni le falte ni le sobre ni un solo instrumento o arreglo.
Hay que decir que el disco Transformer fue producido por David Bowie y Mick Ronson, guitarrista en la etapa glam de Bowie. La presencia de los dos artistas en el disco fue esencial para que tuviera ese sonido tan de la época e hiciera que Lou Reed se alejara de la experimentación de la Velvet Underground y se introdujera definitivamente en el glam.
Cuando oigo Perfect Day no puedo evitar recordar la escena de la película Trainspotting, en la que Mark Renton se chuta una sobredosis de heroína y se hunde en el suelo de la habitación, semejando un ataúd, mientras suena esta pedazo de canción.
Sylvia me regaló el disco hace unas semanas, pero he tenido que esperar hasta hoy para publicar un tema.
Canción publicada dentro del Lp The Next Day en 2013.
Creo que es la primera vez que no voy a comentar el tema de la entrada, sino el disco en el que se incluye.
El nuevo disco de David Bowie, The Next Day, no es un disco que tenga una fácil escucha y no es asequible a cualquier oído, de ahí que haya tenido que esperar unas semanas para poder hablar de él con conocimiento.
La sensación en la primera escucha, salvando los 2 primeros singles (por eso son singles) fue de extrañeza y de como que no encajaban demasiado las canciones unas con otras. En las siguientes escuchas me fui dando cuenta de que este disco es una especie de repaso a su carrera, pero siempre desde el buen gusto y sin caer en lo obvio, que viniendo de Bowie no podía ser de otra manera.
Su repaso se hace visible en varias canciones, por ejemplo, en el corte If You Can See Me que suena al disco del 97 Earthling, con aires de drum and bass pero analógico. Love Is Lost avanza hasta el Heathen del 2002. La preciosa Where Are We Now? que me lleva a la trilogía de Berlín, de hecho, en el tema, recuerda su estancia allí. O la que os pongo aquí hoy, Valentine´s Day en la que sólo le falta calzarse unas plataformas y pintarse la cara para volver a ser Ziggy Stardust.
Seguro que si escucháis el disco, todas y cada una de las canciones os llevarán a las distintas etapas de la carrera de David Bowie. Hasta la portada del disco hace un gesto a su pasado, utilizando la portada del Heroes, pero con un cuadrado blanco en el centro tapando su cara en el que se lee The Next Day.
El nuevo disco de David Bowie no pasará a la historia por su innovación musical pero... es David Bowie.
Lo mío con Bunbury se mueve entre el amor y el odio. El amor, porque es un artista que cortó con su grupo, Héroes del Silencio, y tuvo el valor (por no llamarlo de otra manera) suficiente de que, su primer disco en solitario (Radical Sonora), fuera de música electrónica, y que su segundo álbum, Pequeño, fuera una joya, y ambos discos tan totalmente diferentes de lo que hacía con su grupo anterior.
El odio viene por la etapa de Héroes, en la que para mí, el mejor disco fue "El Espíritu Del Vino" (el resto, ni fu ni fá) y porque a partir de su disco en solitario Pequeño, sus creaciones han ido en una línea descendente y reiterativa. Además, Bunbury como personaje, no es de mi agrado.
Claro está que es mi opinión personal, y seguro que habrá mucha gente en desacuerdo.
En lo que a "Sólo si me perdonas" se refiere, es una canción simple, sin muchos arreglos, con aires aflamencados y morunos, que se los dan los coros, las palmas y el violín. El bajo, en las estrofas, se vuelve hipnótico, y se oye un hammond en contadas ocasiones, que me parece muy acertado.
Pero lo que realmente me encanta de esta canción es su letra. Letra de copla "arrastrá", como las coplas antiguas, como las que cantaban las folclóricas de antes, de amor y, mejor aún, de desamor. Ya hablé de este estilo de letras en una entrada anterior, pero me parece importante hacer hincapié en este detalle.
Éste me parece, de largo, el mejor disco de Bunbury.
Me gusta mucho esta canción pero a mi mujer le gusta muchísimo más. De hecho, lleva sonando sin cesar en mi casa dos semanas seguidas, así que me parece justo que la crítica la escriba ella.
Tema original del disco Canciones Para El Tiempo y La Distancia, del año 2005.
Bueno, es la primera vez que voy a escribir sobre música, algo sobre lo que no tengo conocimientos profundos o formales. Pero de lo que sí que entiendo es de cosas bonitas, y esta canción es tremenda. No solamente es increíble la diferencia a mejor con respecto a la versión original, algo que no suele suceder cuando comparamos una canción en su versión de estudio con la de directo, es que también el vídeo está tan cuidado: luz, fotografía, decorados... en plan producción americana vintage, que el conjunto es inmejorable. Una de las cosas que más valoro en las canciones son las letras, me gusta que me lleguen, que me toquen la fibra. Y esta historia, aunque es de despedida, lo que no favorece que me identifique fácilmente con ella, es tan intensa, tan real... Detalles que me llaman la atención: el primero y más importante, quizá porque lo relaciono un poco con mi mundo laboral, la intervención de Xoel López. La colaboración puntual de profesionales del mismo ramo me parece de lo más interesante. Yo que soy amante de las mezclas (muy fan de Camarón y Morente, principalmente por el espíritu generoso y visionario que les hizo juntar lo suyo con lo que venía nuevo) me tengo que rendir ante amiguitos que juntos enriquecen una canción, no sólo en el sonido, sino también en el vídeo, con guiños, miradas, sonrisas, gestos de complicidad... En esto mi "costillo" estará más que de acuerdo, y es que otra de las cosas que hacen grande a esta canción son los arreglos de viento. El efecto compacto es súper interesante, además del rollete... no sé, no puedo decir bailable, pero sí acogedor, que le da. Y volviendo a la letra, tiene chispazos que me tocan como "la luna tú y yo expectantes a que pase algún cometa o baje un platillo volante" o "y publicas que no tuve ni el valor para quedarme" que parece que se quieran unir dos mundos, uno muy etéreo y fantástico y otro muy real, en el que la gente publica en redes sociales historias personales y sentimientos de los fuertes.
Compacta, redonda, interesante, y sobre todo... preciosa. Y para curiosos, una tercera versión, con ukelele, de la mano de Sesiones Ligeras.
Puede que alguien le tire para atrás al ver la interprete, pero os aseguro que merece la pena.
Tema extraído del álbum Que Dile y Dile, publicado en 1975.
Vale... Se que después de tener en este blog a Front 242, Barón Rojo, The Cure... como que Isabel Pantoja no es lo que más pega, pero esta canción es diferente.
Hay que tener en cuenta que es un tema folclórico. Los arreglos de viento y cuerda la hacen muy original y que junto al Wah Wah de la guitarra la convierten en una canción funk al más puro estilo Shaft de Isaac Hayes.
Lo que también la hace única es la letra. Con un contenido desgarrador, de amor y desamor, como en las coplas de toda la vida de Lola Flores o Concha Piquer. Una muestra clara es el fragmento donde dice "...por ti yo soy capaz de pedir limosna, de matarme y de matar"
Esta canción me devuelve a los viajes en el Simca 1200 de mis padres.
Creo que la intensidad es mi estado natural. Vuelvo por mis fueros.
Canción que se incluye en el disco Honky Chateau, y publicado en 1972.
No soy fan, ni siquiera seguidor o interesado por él, de hecho, me parece bastante caspa (rancio, ñoño, vulgar...), pero esto es diferente.
No recuerdo el día en que escuché este tema por primera vez pero me pareció alucinante. Rezuma un aire glam y futurístico fácilmente asociable con el Space Oditty de Bowie. De hecho, parece una secuela de Major Tom.
Puede que Elton John no sea el artista que yo tenga en mi leja de los discos y que, incluso, me resulte cansino, pero tiene destellos como éste por lo que merece la pena darle, por lo menos, una escucha.
Canción incluida en el disco Space Oddity, publicado en 1969.
Siempre quise tener este disco, quizá condicionado por querer tener en mis manos el primer disco de Bowie, aunque últimamente he leído que es el segundo pero éste es el que, en general, se toma como primero de su carrera. Pero principalmente lo compré después de oír el increíble tema que da nombre al disco.
Tras estrujar una y otra vez la canción que mencionaba antes, me encontré con el corte que nos concierne. Lo primero que me sorprendió fue que dura casi 10 minutos, pero enseguida me enganchó su estructura y los cambios de intensidad, la voz reverberada y, cómo a mitad de canción se van uniendo instrumentos, añadiendo efectos y se crea un ambiente que me incita a salir a la calle y gritar.
No os asustéis por la duración. Es un tema que hay que escuchar completo y al que no le sobra ni un segundo.
Tema incluido en el LP You Are The Quarry, en el año 2004.
Morrissey es un artista al que todo el mundo debería escuchar, al menos, una vez en la vida. Si piensas que va a sonar a Smiths (el grupo de los 80 con el que consiguió la fama) estás equivocado. El sonido de Moz, como se le conoce entre los fans, ha ido evolucionando desde la separación de su grupo hasta hoy.
Su música es más actual, con más sonidos electrónicos y muchas de las canciones de su repertorio se han vuelto más duras. Todo esto sin dejar su inconfundible estilo.
No hay que olvidar las baladas y medios tiempos, como Come Back To Camden. Ésta en especial me parece preciosa y más desde que busqué la traducción de la letra. A partir de ese momento empecé a buscar más traducciones de sus canciones y fui consciente de lo gran escritor que es.
Me parece un cantante con mucha clase y estilo, no sólo en su música sino también en su imagen, ya que ha sabido madurar con dignidad. Cuando yo sea mayor quiero ser igual de elegante que él. ;)
Está incluida en el disco Love Hysteria, del año 1988.
Peter Murphy fue vocalista del grupo de rock gótico Bauhaus, desde 1978 hasta 1983, fecha en la que se disolvieron. A partir de esa fecha comenzó su carrera en solitario.
Descubrí esta canción en una de las cintas que tenía mi hermano con sesiones de discotecas de la zona de Alicante, y lo primero que me llamó la atención fue la voz profunda de Peter, pero también la fuerza que tiene el estribillo.
Creo que no me equivoco si digo que este tema nos ha dado grandes noches a más de un@
Aunque este no es el vídeo oficial (que ya he intentado insertarlo y no se puede, podéis verlo aquí) lo interesante es la música. Es una lástima que Marc Parrot no tenga el reconocimiento que se merece y quería poner mi grano de arena para darlo a conocer.
Esta canción pertenece al disco homónimo, publicado en 2001.
Para mí fue un shock descubrir en su día que El Chaval de la Peca era Marc Parrot. Me encantan las versiones que hizo El Chaval, tienen mucha clase y están muy bien producidas, pero las letras de Marc Parrot me parecen buenísimas y las canciones están estructuradas de una forma muy original, que me llama mucho la atención.
